Lo primero que se puede uno preguntar en relación a la gestión cultural y musical es: ¿Qué es? y ¿Por qué existe?. Hace mucho tiempo existía en la música y en las artes la figura de “mecenas”: normalmente monarca o noble adinerado que disponía de su propia agrupación de músicos que él mismo financiaba para que compusieran o interpretaran música en sus eventos, fiestas en la corte etc. Este sistema desde el punto de vista creativo no era del todo libre ya que los músicos en definitiva debían adaptarse a lo que su mecenas deseaba ya que era el que les contrataba. Por ejemplo el príncipe Esterhazy fue el mecenas que financió gran parte de las obras del compositor Franz Joseph Haydn hasta su jubilación.

Miklós Esterhazy

En la actualidad las cosas han cambiado pero, como indica Arturo Navarro (Presidente de Ad Cultura en Chile), en países de regímenes totalitarios donde el Estado es el que financia y organiza todos los eventos culturales no se necesita el papel de gestor sino sólo de producción ya que la financiación está asegurada. Así pues, la gestión cultural y musical está inherentemente unida a la existencia de libertad de creación y diferentes formas de financiación de la actividad artística y cultural. La gestión cultural surge en el momento en que hay creaciones diferentes intentando que sean aceptadas y de gusto de una determinada audiencia (ver artículo completo).

En la actualidad desde casi cualquier licenciado universitario o de Enseñanzas Artísticas se puede especializar en la Gestión cultural y musical a través de cursos específicos que organizan universidades españolas. Por ejemplo este año la Universidad Complutense de Madrid es sus Cursos de Verano 2008 ha ofertado el curso “Empresa, Humanismo y Gestión Cultural” entre cuyos objetivos están: el papel de la cultura hoy en día y el porqué de su creciente demanda, la  empresa como agente activo del cambio social, razones y beneficios del encuentro entre el mundo cultural y el empresarial según la Economía del Arte y de la Dirección de Empresas, experiencias entre profesionales de la empresa y de la cultura en sus distintos ámbitos (artes plásticas, artes escénicas, patrimonio, industrias culturales etc.) y por último el papel que desempeñan los artistas en la sociedad.

También hay una gran oferta de Masters cuya especificidad se basa en el equilibrio que presentan las materias ofertadas aportando conocimientos teórico-prácticos básicos; asignaturas dirigidas a proporcionar técnicas y métodos de gestión de la cultura; itinerarios de gestión sectorial y desarrollo del espíritu emprendedor del alumnado: ejemplo 1 y ejemplo 2.

Llegado el momento en que el licenciado se ha especializado en el campo de la Gestión Cultural y Musical ¿dónde debe dirigirse?. Como es un campo muy ámplio en la actualidad existen multitud de empresas que se dedican a diferentes aspectos de éste ofreciendo a particulares, empresas e instituciones la organización de servicios relacionados con la música y la cultura (ejemplo). Otras se dedican a la creación de servicios pedagógicos destinados a la difusión del patrimonio artístico a través de iniciativas de formación para el acceso a todo tipo de público (ejemplo). Otras empresas de Gestión cultural y musical están especializadas en desde hacer llegar la música a un amplio espectro cultural hasta poner los medios necesarios para hacer llegar la música a celebraciones de diferente naturaleza como actos sociales, convenciones, eventos de otra clase etc. (ejemplo).

Por último cabe mencionar la aparición del “agente, gestor o promotor” virtual: las nuevas tecnologías han permitido que se desarrollen programas informáticos para la gestión de proyectos musicales que permiten entre otras cosas la creación de tu propia página web, la posibilidad de contactar con editores musicales de todo el mundo, publicar diferentes piezas musicales en la red para su promoción. Otra de las posibilidades que ofrecen estos programas es la inclusión de contactos en la industria  de la grabación musical y diferentes plantillas de tarjetas de presentación, dossier de prensa, pases para los back stage y otro tipo de recursos imaginables para la promoción gráfica de los productos musicales (para saber más pincha aquí).

Alfredo Anaya

Nacho Arimany

La Musicología estudia los fenómenos relacionados con la música, su historia y su relación con el ser humano y la sociedad. Al igual que en la historia hay diferentes ramas y especialidades que profundizan sobre diferentes aspectos musicales. Los estudios de musicología en España se agrupan bajo la licenciatura en Historia y Ciencias de la música. Al ser una titulación de Segundo Ciclo los estudiantes deben haber superado cualquier primer ciclo universitario y superar la prueba de acceso que suele celebrarse durante el mes de Julio. Los contenidos de la prueba suelen variar ligeramente según las universidades pero suele constar de diferentes partes como un dictado musical, análisis armónico de una pieza, comentario de texto relacionado con Historia o Estética de la música, lectura a primera vista e interpretación libre en el instrumento que el alumno elija (ver más).

La Universidad de la Rioja posee un campus virtual que permite estudiar algunas Licenciaturas on line y sólo acudir presencialmente a realizar los exámenes. Una opción académica muy interesante si se encuentra uno trabajando o realizando algún tipo de formación de tipo presencial.  

Los diferentes perfiles profesionales en que pueden especializarse los Licenciados en Musicología son muy variadas: profesores de música, conservación del patrimonio musical, programación y gestión de la política musical etc. (ver más).

Para poder empezar el ejercicio profesional como musicólogo hay multitud de webs que pueden orientar sobre las diferentes posibilidades. Puede visitarse la web de la SOCIEDAD ESPAÑOLA de MUSICOLOGÍA (SEdEM). Esta sociedad de carácter científico, cultural y docente tiene por objeto el estudio y la enseñanza de la Musicología sobre todo en el conocimiento, recuperación y difusión del patrimonio musical español y sus ramificaciones históricas y geográficas. El SEdEM promueve toda clase de tareas musicológicas como la organización de congresos, simposios o jornadas de estudio, fomentar la investigación musicológica y publicación de trabajos especializados. Para ello editan la “Revista de Musicología” que recoge y difunde preferentemente las investigaciones de sus asociados, así como libros monográficos, volúmenes y cuadernos de música antigua española, repertorios bibliográficos, facsímiles y CDs.

A continuación se ofrecen las entrevistas a los musicólogos Fernando Galicia (experto en Heavy Metal) y Juan Pablo González intercambiando impresiones sobre diferentes aspectos de la musicología.

Fernando Galicia

Juan Pablo González

“El periodismo musical consiste en gente que no sabe escribir entrevistando a gente que no sabe hablar para gente que no sabe leer”.

Frank Zappa

Empezar con esta cita del famoso músico estadounidense en un artículo de periodismo musical puede parecer un poco contradictorio pero es que hablar de música sin ser músico o tener formación musical es un tema delicado al menos. En muchas ocasiones, como por ejemplo en la crítica musical, los periodistas no gozan de la opinión favorable del colectivo musical (ver ejemplo) sobre todo si las opiniones no coinciden con sus intereses. Y es que tal como se comentó en el seminario “Crítica, música popular y memoria. 40 años de rock en Chile” celebrado en Santiago en 2006, un periodista musical no es alguien llamado a poner notas o a determinar que es “bueno” en música para ser buen relaciones públicas de un músico, una banda o un sello discográfico.

Diego Manrique, Director adjunto de Radio Nacional, comparte impresiones durante los cursos de verano de la Universidad de Cádiz acerca del periodismo musical (pincha aquí).

Diego Manrique

A veces la propia crítica musical es objetivo de la “crítica”  por cuestiones como del intrusismo profesional relacionado con la aparición de Internet y la tecnología digital.

Veamos algunas de las posibles salidas profesionales que existen para aquellos periodistas, publicistas o licenciados en Comunicación Audiovisual que desean especializarse en este campo.

Como en la mayoría de los campos profesionales cuando alguien desea especializarse post – grado debe recurrir a los  masters o cursos de formación que se organizan por diferentes entidades:

En la Escuela Superior de Comunicación, Imagen y Sonido oferta cursos sobre periodismo y comunicación en entornos digitales de televisión. La nueva era digital necesita de profesionales: comunicadores, creativos y diseñadores que desarrollen contenidos para los diferentes medios audiovisuales. Para ello deben desarrollar sólidos conocimientos en la manipulación creativa de la imagen y el sonido en cine y vídeo, los entornos digitales de radio y televisión, los nuevos medios y su aplicación en los nuevos modos de producción.

La Universitat Pompeau Fabra de Barcelona oferta el curso “La crítica de música en los medios de comunicación” donde se profundiza sobre el papel de la crítica musical en los distintos medios de comunicación desde una perspectiva práctica y profesional abordando géneros musicales más modernos como el rock, pop, folk, hip hop, música electrónica, música experimental y world music y especializar a los alumnos en la apreciación musical reflexiva.

Si alguien desea una especialización no tan concreta como la del periodismo musical como es la de la comunicación cultural en la Universidad CEU San Pablo se organiza un Master en Comunicación Cultural para adquirir cualificación tanto en el tratamiento de la información como en la crítica periodística, en las secciones de Cultura y Espectáculos de cualquier medio de comunicación: agencias, prensa diaria, suplementos culturales, revistas especializadas radio, televisión Internet y gabinetes de comunicación de las organizaciones promotoras de cultura tanto públicas y privadas.

Como ocurre en multitud de masters gracias a diferentes convenios de colaboración con de la universidad con diferentes entidades como el Instituto Cervantes, la Fundación del Español Urgente, la Fundación EFE – Agencia EFE y la fundación José Manuel Lara – Grupo Planeta para la formación de los alumnos por medio de prácticas profesionales en sus sedes y medios de comunicación.

Como en cualquier otro campo de formación la web puede ser de gran utilidad para darse a conocer de diferentes maneras:

·        Creación de una página web propia donde se incluya C.V., artículos escritos en diferentes medios, fotos y cualquier otro tipo de material que pueda servir para promocionarse o darse a conocer en los medios de comunicación musical (ver ejemplo).

·        Webs que se utilizan como bolsa de trabajo para profesionales del sector audiovisual o periodístico donde pueden insertarse anuncios para oferta/demanda de empleo (ver ejemplo).

·        Colaborar en diarios digitales de música con artículos o críticas musicales. Normalmente no hay retribuciones económicas para los colaboradores pero es una plataforma muy útil para irse introduciendo en el ese terreno y a la vez una poderosa herramienta digital para darse a conocer ya que diariamente suelen ser webs visitadas por muchas personas, otros medios de comunicación y empresas interesadas en el tema .

Saray de la Cruz (Móstoles, 1993) estudia Danza en la Escuela Municipal de Danza Antonio Canales ha actuado en el Teatro Buero Vallejo y el próximo 3 de Diciembre bailará en el Centro Cultural “Los Pinos” en Alcorcón. A lo largo de este curso actuará en Leganés, Fuenlabrada y otros lugares de nuestra geografía.

1.       Pregunta: ¿Cuándo  comenzó tu pasión por la danza?

Respuesta: Mi pasión por la danza comenzó cuando era pequeñita. Tendría unos dos o tres años.

2.       P: Se dice que la carrera de los bailarines es muy sacrificada …

R: Es sacrificada porque tienes que dejar muchas cosas por ello. No sólo tienes que ser bailarín sino tu propio manager. Para ser un buen profesional tienes que estar enamorado de la danza y como todo amor te hace sufrir.

3.       P: ¿Qué otros planes has dejado de hacer por el baile?

R: Por el baile he dejado muchas cosas como salir a la calle con los amigos, no poder ir a muchos eventos familiares etc.

4.        P:¿Cuánto tiempo le dedicas al baile a la semana?

R: Depende de las semanas. Una media de unas quince horas pero si hay algún tipo de evento la dedicación es mayor.

5.       P: ¿Cuál es la edad óptima para comenzar con la danza?

R: Yo pienso que a los nueve o diez años pero en realidad no hay ninguna edad. He conocido bailarines que comenzaron con 20 años a bailar y lo hacen muy bien llevando sólo 2 o 3 años de formación.

6.       P: Para ser una buena bailarina ¿Qué tipo de preparación física se requiere?

R: Mucha: lo fundamental es una buena base clásica pero también depende del tipo de bailarina del que se trate. Hay que tener mucha fuerza, resistencia, fondo, elasticidad etc. es decir, una preparación física muy completa.

7.       P: ¿Hay que saber adaptarse a las nuevas tendencias?

R: Por supuesto.

8.       P. ¿Crees que habéis cambiado mucho los jóvenes respecto a bailarines de generaciones anteriores en las cuestiones de la disciplina?

R: Sí. Demasiado. Algunos bailarines poseen muy poca disciplina y son muy “blanditos” para lo que el mundo del baile requiere.

9.       P: ¿Es posible cuando se ve bailar a alguien distinguir entre ruso, español, argentino etc.?

10.   R: En general pero sí se pueden distinguir si estos bailarines interpretan danzas folclóricas típicas de sus países de origen.

11.   P: ¿Qué le falta a la danza/ballet para ocupar el puesto que merece?

R: Unidad entre los bailarines y compromiso.

12.   P: ¿En que momento cómo crees que se encuentra la danza en la actulalidad

R: Depende de los estilos ya que cada uno se encuentra en puntos diferentes: la danza española está obsoleta, el flamenco está subiendo poco a poco y la danza clásica cada vez va a más.

13.   P: ¿Piensas que el trato que le dan las instituciones es adecuado?

R: No en general pero también depende de a quién.

14.   P. ¿Insinúas que hay compañías y bailarines que gozan de privilegios por parte de las instituciones dentro de mundo de la danza?

R: Sí.

15.   P: ¿Hay algún consejo que te hayan dado que te haya servido en tu carrera como bailarina y que quisieras compartir con los jóvenes que se dedican al baile como tú y lean esta entrevista?

R: Pues sí: sed constantes en el trabajo que hacéis y sed conscientes de que no todo se consigue a la primera sino con mucho sacrificio y esfuerzo. ¡Ánimo y adelante que vosotros podéis!

Separar estilos como el blues y la música latina del jazz en otro artículo aparte se debe a varias razones: por un lado la guitarra eléctrica tiene una importancia capital en el blues y no tanto en jazz, por otro lado la música latina en general utiliza instrumentos de percusión étnicos muy específicos de ese estilo de música y nada que ver con la típica batería utilizada en jazz.

Al igual que en el jazz nos encontramos con un problema similar en la especialización de la guitarra de jazz: los planes de estudios tanto de guitarra clásica y de guitarra flamenca no contemplan la especialización en estos estilos basándose fundamentalmente en el estilo clásico. Al igual que ocurre con la formación jazzística existen cursos de formación sobre todo en verano que permitan al alumno acercarse a este estilo basándose en los conocimientos ya adquiridos en el Conservatorio como el V Curso Intensivo de Blues – Béjar 2008 por ejemplo. Algunas web incluso han publicado lecciones para guitarra de blues para que puedan descargarse gratuitamente y aprender de manera autodidacta. La presencia de la guitarra eléctrica en el blues hace que existan centros de estudios específicos de este estilo combinado con la pedagogía de vanguardia, informática músical aplicada incorporada al proceso de aprendizaje como el uso de secuenciadores, educación auditiva etc. Es el caso de la  Escuela de Música Moderna que dirige Jaume Pla vinculada a las escuelas de Berklee y Musicians Institute de U.S.A.

Algunos guitarristas de blues como Daniel Raffo utilizan su propia web para promocionarse, contactar con ellos o darse a conocer.

Daniel Raffo y Humbert Sumlin

Cambiando de estilo musical completamente nos acercamos a la música latina: ¿en qué consiste?. Dentro de lo que podemos llamar música latina se encuentran multitud de estilos étnicos propios de los estos países del continente americano, por ejemplo la salsa. Es difícil definir con exactitud este tipo de música ya que se siguen varios criterios: en términos generales las frases musicales en salsa tienen una duración de dos compases con cuatro golpes de percusión en cada compás. Por lo tanto el ritmo base de la salsa son ocho golpes que se interpretan con un tambor llamado conga y se incorporan otras capas de percusión interpretadas con instrumentos como las claves. Así pues queda claro que la base de la salsa o estilos que conforman la música latina es la percusión con instrumentos típicos de sus países de origen. En los estudios de percusión dentro del área clásica se estudian instrumentos como el timbal, bombo, platillo y otros accesorios pero no se abordan los instrumentos que forman parte del repertorio de música latina, africana e incluso flamenca.

Hay portales en internet que están dedicados precisamente a la percusión latina, africana, étnica etc. que permiten familiarizarse con estos instrumentos y los patrones rítmicos de estos estilos musicales.

Como ocurre con estos estilos alejados de la formación clásica que se ofertan en los Conservatorios y Escuelas de Música la enseñanza particular suele ser una manera rápida de aprender a tocar sobre todo si se poseen conocimientos de percusión que se han ido adquiriendo a través de los estudios oficiales.

Instrumentistas de otras familias como la del viento metal son necesarios en los conjuntos de salsa. Luis “Perico” Ortiz, trompetista de salsa aunque recibió formación clásica (sus compositores favoritos son Bach, Betthoven, Purcell y Haydn) se especializó en la salsa ya que – según él – la salsa refleja como ninguna otra música el sentir de su pueblo (ver entrevista completa).

Uno de los grandes problemas que puede encontrar el estudiante de música interesado en la especialización de estilos alejados de la formación clásica del Conservatorio es: ¿Dónde puedo yo aprender jazz (por ejemplo) y qué posibilidades existen para trabajar de ello?.

En primer lugar tomando el jazz como ejemplo el estudiante debe haberse formado en un instrumento musical típico de las bandas de jazz, por ejemplo los de la familia del viento metal, saxofón (híbrido entre trompeta y clarinete inventado por John Sax), piano etc. La técnica de interpretación del instrumento se ha adquirido basándose en el estudio de obras clásicas y la especialización jazzística suele adquirirse en cursos de especialización y en ver a otros músicos de qué manera entienden este tipo de música. Así por ejemplo se ofrecen cursos para aprender a tocar la trompeta de jazz. Es muy interesante ponerse en contacto con las “Juventudes musicales” de nuestra C.C.A.A. ya que a través de ella se pueden acceder a cursos de formación muy interesantes como por ejemplo este de Jazz e improvisación organizado por las Juventudes musicales de León

Louis Armstrong

Como siempre la red puede ser una herramienta muy útil para promocionarse o darse a conocer en el mundillo mediante la creación de una web propia como en el caso de Luis Gutierrez, saxofonista de jazz, funk y house.  Colgar un vídeo sobre alguna actuación en la web www.youtube.com es una forma de promoción para que los usuarios mediante los comentarios que indican en la parte inferior del reproductor de vídeo puedan ponerse en contacto contigo. Este es el caso de Carl Fontana trombonista de jazz.

Mención aparte debe hacerse del saxofón: instrumento que no pertenece a la orquesta clásica y que se encuentra a caballo entre repertorio  culto (clásico) del siglo XX y la música más popular. En España planes de estudios de saxofón no incluyen la formación jazzística o de otros estilo como ocurre por ejemplo en los E.E.U.U. El Dr. Tomas Walsh (Profesor de saxofón clásico y de jazz de la Universidad de Indiana) separa claramente ambos estilos: si bien es cierto que hay elementos interpretativos comunes a los dos estilos como el color del sonido, vibrato, articulaciones, acentos etc. igualmente hay elementos propios del jazz como el bending, notas fantasma, caídas subtone etc. que deben aprenderse de forma específica (ver artículo completo). Algunos centro específicos para el estudio del saxofón organizan cursos de verano en colaboración con algunas Escuelas Municipales.

Abordando las salidas profesionales de la familia del viento metal se puede observar que su sonoridad característica condiciona mucho su inclusión en diferentes conjuntos instrumentales y diversos estilos de música. Los planes de estudios tanto en Grado medio como en Grado superior contienen asignaturas comunes genéricas y específicas de cada uno de los instrumentos que configuran esta familia (trompeta, trompa, trombón y tuba) como puede verse a continuación:

·    Trompeta (Grado Medio y Superior)

·    Trompa (Grado Medio y Superior

·    Trombón (Grado Medio y Superior)

·    Tuba (Grado Medio y Superior)

Las posibilidades entre las que se encuentra el alumno una vez finaliza los estudios de alguno de estos instrumentos son muy variadas. El estudiante puede ampliar sus estudios en diferentes cursos de formación o plantearse alguna de las siguientes opciones:

A diferencia de otros instrumentos hay que tener en cuenta que en la carrera docente tiene menos posibilidades a priori que otras especialidades como guitarra y piano ya que no gozan del mismo éxito entre el público aficionado y potencial consumidor de las clases particulares. Diferente es la situación en que se encuentra la enseñanza de los instrumentos de viento metal en los Conservatorios. Todos los años en diferentes comunidades Autónomas se ofertan plazas para acceder a la enseñanza pública. Concretamente este año 2008 se han ofertado plazas de trompeta, trompa y trombón para cubrir vacantes de en el Conservatorio de Tortosa (Tarragona) o de tuba para cubrir una plaza de Profesor de Banda en el Ayuntamiento de Valencia  .

La carrera de intérprete en música clásica, al igual que en otros instrumentos, depende mucho del talento musical del individuo, cómo se comporte frente al miedo escénico, la naturaleza del instrumento como solista etc. Algunos intérpretes utilizan como medio de promoción su propia página web y otras ponen anuncios en páginas de anuncios en la red Se muestra a continuación dos entrevistas: por un lado a Benjamín Moreno (intérprete de trompeta) y a Jeffrey Cooper (solista de trompa de la Orquesta Sinfónica de Tenerife). La tuba aunque pertenece a la familia del viento metal  no es usual encontrarla entre las composiciones de música clásica como solista, por ejemplo, en un concierto para tuba y orquesta, pues se le supone a este instrumento una mera tarea de acompañamiento y ampliación del ámbito sonoro.

Benjamín Moreno

La familia de instrumentos de viento metal presenta ventajas respecto la cuerda ya que no sólo pueden formar parte de una orquesta sinfónica sino que su presencia en bandas musicales del Levante español es primordial. Para confirmar esta afirmación véase algunas páginas web de Bandas musicales en España:

·        Banda de Música Otura

·        Banda de Música de Alba de Tormes

·        Banda de Música de Galajar

 En Internet  se puede realizar la búsqueda de todas las bandas de música que hay en España en webs específicas para poder ponerse en contacto con ellas.

Reseña biográfica de María Olite

 Nacida en Pamplona, ha desarrollado tanto su formación como su carrera profesional entre su ciudad natal y Madrid, lugar donde reside de manera continuada desde el año 2000. Es licenciada en periodismo por la Universidad de Navarra y Master en Dirección de Marketing y Comunicación; además, tiene el título superior de danza española por el Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid.
De 1996 a 1999 ejerció como profesora de danza española y flamenco en la Escuela de Danza del Gobierno de Navarra y en la Escuela de Danza de Almudena Lobón, en Pamplona. Tras varios años como profesional del baile, decidió emprender un nuevo rumbo trasladándose a Madrid para iniciar su carrera como profesional de la comunicación y relaciones públicas en las empresas Sintel y Lycos España.
En el ámbito de la gestión musical, entre 2002 y 2007 ha sido Coordinadora adjunta y Coordinadora ejecutiva de programas en la Fundación Albéniz, llevando a cabo diversos programas internacionales de la Fundación y de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, entre ellos el Ciclo de Lecciones Magistrales de la ESMRS y la Fundación Gulbenkian de Lisboa y el festival “Encuentro de Música y Academia de Santander”, de un mes de duración, en el que se organizan 60 conciertos en 30 localidades de Cantabria con cerca de 150 músicos invitados de todo el mundo.
En su vinculación a la gestión cultural y educativa, además, ha colaborado con la Galería Pepe Cobo en la organización de exposiciones y participación en ferias internacionales y con la Asociación de Centros Autónomos de Enseñanza Privada (ACADE), donde organiza eventos en el sector educativo. En la actualidad compagina esta labor con la enseñanza de danza española en la Escuela Municipal de Danza de Las Rozas (Madrid).

Entrevista

1. ¿Es la gestión musical una profesión de futuro?

Yo pienso que sí. De hecho creo que se encuentra en pleno desarrollo. El razonamiento es muy sencillo: los jóvenes ven, cada día más, la música clásica como una salida profesional y no tienen miedo a estudiar la carrera de violín, de piano, de fagot o de percusión como posible forma de vida, lo cual genera, por un lado, la potenciación de actividades musicales y, por otro, la creación de nuevos públicos para dichas actividades. Parece muy básico pero, mientras siga creciendo la actividad musical en España, tanto las instituciones públicas como la iniciativa privada tendrán que adaptarse a las nuevas demandas culturales. No hay más que ver la cantidad de jóvenes músicos españoles y extranjeros que desarrollan su profesión en nuestro país y la cantidad de festivales, concursos, orquestas, certámenes y actividades musicales que se ha ido generando en cualquier punto de España en los últimos años.

2. ¿Cree que la adhesión de España a la Unión Europea ha influido en el desarrollo y promoción de la gestión cultural en nuestro país?

Por supuesto. Creo que las políticas culturales de la Unión Europea han contribuido en el desarrollo de la cultura en dos aspectos importantes: por un lado, han supuesto un avance en la gestión de la cultura y el patrimonio de cada país por la cantidad de subvenciones e iniciativas que se han ido poniendo en marcha, lo cual repercute no sólo en el enriquecimiento y mejora de los países sino en el desarrollo de las personas, en un incentivo para potenciar el sector turístico y, en definitiva, en su enriquecimiento y promoción exterior. Por otra parte, la UE ha impulsado multitud de políticas culturales que hacen que los países creen programas interculturales entre países de manera que se favorezca la movilidad de la cultura y de sus artistas entre los distintos estados, favoreciendo así proyectos itinerantes y la interrelación de todos los recursos y agentes culturales que intervienen en cada país. Programas europeos como Cultura 2000 han sido importantísimos en los últimos 10 años.

3. Tengo entendido que en países de Iberoamérica la gestión cultural es un campo en continuo desarrollo. ¿Varían mucho los planteamientos respecto a países como España?

Bueno, hay que tener en cuenta que algunos países de Iberoamérica, tanto política como económicamente, están viviendo grandes cambios y esos cambios afectan a todos los ámbitos, también en el terreno de la cultura, potenciando sobre todo sus raíces, el folclore, el patrimonio… Desde el punto de vista de la literatura o las artes escénicas, no cabe duda de que hay países con una sólida tradición cultural, musical, etc., como pueden ser Venezuela, Brasil, Chile o Argentina, y en estos casos, su evolución es continua y su aportación es siempre muy rica y beneficiosa para el conjunto de la cultura. Creo que, de cualquier manera, lo que diferencia a cualquier país de Sudamérica de España es la precariedad de los recursos y la falta de iniciativa privada para sustentar el desarrollo de los proyectos que puedan surgir. Aunque, también es cierto que, lamentablemente, eso también ocurre en nuestro país!

4. ¿La alternancia en el gobierno de PSOE y PP afecta a la promoción y desarrollo de este sector? o dicho de otra manera ¿cree que la gestión cultual es progresista o conservadora?

Tradicionalmente, y erróneamente desde mi punto de vista, se piensa que la cultura es de izquierdas; es decir, que va de la mano de políticas progresistas con matices transgresores, vanguardistas y rompedores, por decirlo de alguna manera. Por supuesto que el arte avanza gracias a artistas que rompen con lo establecido, que son capaces de realizar sus aportaciones de forma radical y en cierta manera algo escandalosa, buscando la novedad, lo diferente y desatacarse del resto. Pero, eso no quiere decir que, porque sea algo novedoso, sea válido. Yo sólo entiendo de arte bueno y el que no lo es (por decirlo de una forma diplomática) y eso se traduce en tener y aportar sensibilidad, calidad y tener algo que decir. Si un artista no tiene nada que decir, en la faceta artística que sea, podrá dar un golpe de efecto puntual, pero no conseguirá trascender en el tiempo. Creo que esta visión va reñida con una cultura conservadora o progresista, pues lo que al final va a primar es la calidad y la trascendencia que esa manifestación artística pueda tener en el tiempo por su significado y por su belleza.

5. ¿Cuál cree vd. que es el mejor itinerario educativo y de formación académica que debe seguir una persona que quiere dedicarse a la gestión cultural?

Creo que es importante tener una sólida formación académica, probablemente universitaria por el recorrido y la capacidad de análisis que, teóricamente, ofrece a los jóvenes estudiantes. Cualquier carrera relacionada con el arte, la historia, las ciencias sociales y las humanidades dan un poso, una formación que potencia la visión social y artística que esta profesión necesita. Además, creo que es importante que quien quiera dedicarse a la gestión cultural tenga sensibilidad por la cultura, por el arte, la lectura… Además, si esa formación académica fuera completada por el aprendizaje de una disciplina artística, ayudaría a que los gestores, los programadores, los promotores culturales hablaran “desde dentro”, conociendo los entresijos del sector y las especificidades de cada disciplina. En mi caso, el hecho de haber sido bailarina y de pertenecer a una familia muy vinculada a la música clásica me ha dado una sensibilidad especial para tratar con intérpretes y creadores, para intentar conocer y respetar profundamente a los artistas con los que he trabajado.

M. Olite revisando el Planing del “Encuentro de música y Academia” en Santander, Julio de 2007

6. ¿Debe tener ciertas cualidades personales el especialista en gestión cultural? ¿Surgen muchos problemas que requieran de habilidades sociales, “mano izquierda” o de resolución en ese preciso momento?

Su pregunta va ligada a lo que le comentaba anteriormente. Creo que una de las cualidades que más se debería valorar es la sensibilidad. Por supuesto que es importante la gestión comercial, la rentabilidad y la obtención de beneficios, pero si pensamos en los artistas y en ofrecer al público una cultura que les enriquezca intelectual y emocionalmente, el resultado que se obtiene es muy distinto. Creo que es importante involucrarse en los proyectos y, en consecuencia, disfrutar con el trabajo que se realiza. En otro orden de cualidades, el gestor cultural, desde mi punto de vista, debe tener una gran capacidad de previsión, intuición y resolución, además de tener una visión global y del detalle al mismo tiempo, es decir, ser capaz de ver el todo y las distintas partes a la vez. Aunque, por mi experiencia, la cualidad que más debería valorarse es la adaptación al cambio. Cuando se trabaja con personas, algunas veces con genios, “en directo”, no se puede actuar con un guión estricto; hay que estar continuamente alerta para reaccionar ante cambios de programa, climatología, situaciones inesperadas, contratiempos, etc., y aportar soluciones al momento. En el desarrollo del acto cultural, el tiempo de reacción suele ser muy escaso y la toma de decisiones tiene muy poco margen, por lo que, en consecuencia, la previsión, en la etapa de ideación y creación de los proyectos, y la flexibilidad, en la fase de producción, son cruciales: llevar todo lo más atado posible, para estar abierto al cambio y resolutivo ante los imprevistos.

7. ¿Cree que hay paridad en este sector? Mójese un poco. ¿Tienen mejores cualidades para este tipo de gestión los hombres o las mujeres?

Creo que ocurre lo mismo que en cualquier otro sector: hay mayor número de mujeres en puestos administrativos, de gestión y como mandos intermedios, pero los altos mandos están ocupados por los hombres. Pienso que tradicionalmente es una profesión realizada por mujeres pero liderada por hombres. Paradójicamente, yo he desarrollado mi carrera profesional de la mano de Paloma O’Shea, Presidenta de la Fundación Albéniz, una mujer con una gran fuerza y sensibilidad y una dedicación, yo diría que casi vital hacia la música y los músicos de manera altruista, pero no es habitual encontrarse con mujeres así.

8. Aparte de la especialización adecuada ¿Qué otro tipo de conocimientos complementarios como la informática o los idiomas son necesarios en este terreno profesional?

Cualquier formación complementaria siempre viene bien. Desde hace unos años hay universidades que ofrecen diferentes Master en gestión cultural y del patrimonio, lo cual también ofrece una visión teórica previa a la experiencia profesional sumamente enriquecedora. Por supuesto, hoy en día, no se puede hacer casi nada sin la informática y sin hablar inglés bien. Pero en este caso, incluso el inglés es poco. Los proyectos culturales se mueven de unos países a otros porque la cultura no tiene idioma, porque las manifestaciones artísticas no necesitan ninguna lengua porque el arte en sí mismo es su modo de expresión, pero los intermediarios sí lo necesitan. Hoy en día es muy habitual que el gestor cultural tenga que tratar con artistas, agentes o productores de cualquier parte del mundo, por lo que es fundamental, además de dominar el inglés, hablar perfectamente otro idioma, alemán, francés o incluso chino. En este campo, los idiomas son un valor añadido, sin duda.

9. Un consejo para aquellos estudiantes que deseen dedicarse en el futuro a la gestión cultural.

Creo, sinceramente, que es una de las profesiones más bonitas que existen. Puede analizarse desde una doble vertiente: por una lado, los programadores permiten que las inquietudes artísticas de sus protagonistas puedan desarrollarse; hace posible que actores, bailarines, músicos, artistas de circo, pintores, escultores y artistas plásticos en general, escritores y teóricos pongan a disposición del público su talento, además de promocionar múltiples corrientes y movimientos y, cómo no, contribuir a la difusión de la cultura española a través de sus diferentes formas de expresión. Por otro lado, y tan importante como la anterior, a través de la gestión cultural, los que nos dedicamos a ello, “gestionamos” el tiempo de ocio de las personas, ofrecemos alternativas para el enriquecimiento personal de los amantes de la cultura y el arte y ésta es una manera de contribuir a su felicidad personal. Creo que, como cualquier otra carrera, si se realiza desde la calidad humana y el rigor profesional ofrece muchas satisfacciones. Es un trabajo en el que se disfruta en cualquier momento del proceso, desde su ideación hasta la bajada del telón y los aplausos!!

10. Para terminar viendo su doble titulación y formación: ¿cómo ve su futuro próximo? ¿Vinculada a la danza o a la gestión cultural?

Mi meta siempre ha sido poder vincular ambas carreras y poder ejercer mi labor profesional como gestora cultural en el mundo de la danza. En cualquier caso, no es una tarea fácil; en España se programa muy poca danza y de forma puntual. La realidad es que son muy pocas las compañías privadas que pueden presentar un espectáculo nuevo cada temporada, pues las ayudas, aunque cada día mayores, son todavía escasas. Incluso las compañías de danza públicas (tanto locales, como las de las diferentes comunidades autonómicas y las estatales) no llegan a estar “en cartel” como lo hacen en países centroeuropeos, en Gran Bretaña o en Estados Unidos, donde es posible ver a una misma compañía entre 250 y 300 días al año, con dobles elencos y espectáculos para públicos diversos. De todas maneras, y volviendo a su pregunta, en un futuro me gustaría verme dedicándome a la gestión cultural en cualquiera de sus versiones artísticas, artes escénicas, plásticas…, y continuar vinculada a la danza a través de la docencia, en pequeñas dosis, claro, como he conseguido hacer hasta ahora.

Una de las dificultades más grandes para poder elaborar un artículo sobre las salidas profesionales de los guitarristas viene desde hace muchos siglos: el carácter popular de este instrumento y la cantidad de estilos y contextos sociales donde se toca.

Si nos basamos en la guitarra española podemos abordar dos estilos bien definidos e incluso separados en los planes de estudios: guitarra clásica y guitarra flamenca. Los estudiantes de ambas especialidades pueden plantearse la opción de ser solista. Algunos de los más reputados intérpretes disponen de su propia página web donde se muestra la forma de contactar con ellos. Veamos algunos ejemplos de estas de concertistas de guitarra clásica y flamenca:

Daniel Cabrio

José Augusto Mejía

Oscar Guzmán

A veces el estudiante con formación de guitarra clásica en el Conservatorio pueden especializarse en la guitarra flamenca matriculándose en alguna Escuela de guitarra flamenca o realizar estudios de especialización. A continuación se puede leer una entrevista con Juan Habichuela, considerado en la actualidad como uno de los mejores guitarristas flamencos.

La guitarra al no ser un instrumento de orquesta las posibilidades de entrar a formar parte de alguna de ellas como guitarrista no es posible. La guitarra tiene importancia en algunas de las obras del repertorio de música de cámara y del repertorio popular.

Como siempre ocurre con la mayoría de los instrumentos existe la posibilidad de dedicarse a la docencia ya que la guitarra junto con el piano gozan de mucho éxito entre gran parte de las personas que inician el aprendizaje de un instrumento. Algunas webs anuncian a profesores que imparten clases de guitarra clásica (Ejemplo 1, Ejemplo 2) y flamenca (Ejemplo).

Desde su aparición la guitarra ha tenido un marcado carácter popular alejado de la música clásica y el repertorio culto. En la actualidad ocurre lo mismo y su protagonismo en estilos como rock y pop es muy importante. Existen centros especializados donde se puede aprender a tocar la guitarra eléctrica. En Internet hay una gran oferta y demanda de guitarristas para formar parte de grupos de estilos tan variados como el hardcore metal o el rock progresivo e incluso uno puede anunciarse en otras webs como guitarrista de rock que se ofrece para tocar en un conjunto.